Esta es una selección musical con comentarios del tema de música y nacionalismo. Puede usarla para acompañar el artículo “Música y Nacionalismo” de World Music Textbook. Estas piezas están disponibles a través de las plataformas de música, pero están compiladas en una lista de Spotify para su conveniencia aquí e insertadas más abajo.

Ocho Danzas Eslavas Op. 46: No 1 en C (Presto) por Antonín Dvořák

Esta danza de Dvořák pertenece al estilo de música folclórica. A pesar del folclor que invoca, sin embargo, Dvořák compuso las melodías él mismo. Este ejemplo tiene la forma de una danza conocida como furiant, la cual es una danza rápida en un compás triple conocida comúnmente en Europa del Este (Anderson 1988; Tyrrell 2001).

Sinfonía India (Sinfonía No. 2) por Carlos Chávez

La Sinfonía India de Chávez toma temas musicales de las comunidades indígenas de México y usa instrumentos de percusión de indígenas mesoamericanos. Compuesta a mediados de los años 1930, el compositor usa estrategias nacionalistas europeas que consisten en la integración de la música folclórica, aunque Chávez tenía una lejanía con las comunidades indígenas cuyas melodías él tomó prestadas. Esta estrategia en la composición refleja los modelos mexicanos de indigenismo que cooptan la cultura indígena para la construcción de proyectos nacionales.

“Pasacalle” por Daniel Alomías Robles

En 1913, el compositor peruano Daniel Alomías Robles compuso la música para la zarzuela (una forma de teatro musical español) El Cóndor Pasa. En la vena de otras obras peruanas musicales y teatrales en esa época, la pieza incautada en un estilo nacionalista hizo uso del indigenismo y los ideales del mestizaje, o mezcla cultural. El “Pasacalle” que emana de esta zarzuela se hizo popular como la canción “El Cóndor Pasa.” Aunque Robles no era indígena, su pieza musical se convirtió rápidamente en un símbolo prominente del indigenismo y nacionalismo peruano. Sin embargo, la canción ha sido cuestionada debido a que algunos han afirmado que la melodía se originó de las canciones indígenas que también eran populares en el vecino país Bolivia (Mejía 2014; ​​Einarsdóttir y Hafsdein 2018). La canción refleja las complejidades de las culturas que no encajan fácilmente en los límites nacionales y el legado de los estados que se apropian de las formas musicales para proyectos nacionalistas.

“Exploraciones: Estructuras Hi-Life” por la Orquesta Pan African

Aunque tiene su base en Ghana, la Orquesta Pan Africana interpreta instrumentos de toda África. Kofi Agawu señala que la música que la Orquesta Pan Africana interpreta frecuentemente se clasifica como tradicional por los oyentes aun cuando las piezas musicales que se tocan se han compuesto recientemente (2003:19). Esta malentendido habla de algunos de los desafíos que surgen del pensamiento que constituye una “tradición”.

“Oh! Susanna” interpretada por la Segunda Banda de Cuerdas de Carolina del Sur

Entre el gran número de canciones estadounidenses que Stephen Foster compuso, “Oh! Susanna” fue popularizada a través de los minstrel shows – o un género musical-teatral de espectáculos de juglaría que eran satíricos y basándose en estereotipos negativos y exagerados de la población negra –por todo los Estados Unidos a mediados del siglo XIX (Root 2013). Esta versión es interpretada por la Segunda Banda de Cuerdas de Carolina del Sur, un grupo de recreadores de la Guerra Civil quienes interpretan canciones populares de la era de la Guerra Civil. En los años 1920, el magnate de la industria automovilística, Henry Ford invirtió en la preservación de la casa del compositor y en la promoción de las canciones de Foster junto con otros compositores que él consideraba representativos de la herencia musical anglosajona del país. Como simpatizante de los nazis, buscó distribuir y promover música de las áreas rurales que él veía como superior culturalmente y moralmente en comparación con otra música popular (Warnock 2009). La historia de esta canción y otras con raíces en los minstrel shows han vuelto a estar bajo el escrutinio en lugares como salones de clase, en donde los ideales de inclusividad enfrentan cada vez más historias de música racista.

“Home on the Range” interpretada por Dom Flemons

Descansando sentado alrededor de la fogata, la película del Western americano Lone Star Midnight (1946), muestra al actor Ken Curtis entonando la canción “Home on the Range.” Entre las canciones que más se asocian con la cultura del vaquero, esa canción invoca el emblema del vaquero americano quintaesencial actual – un personaje quien casi siempre se representa como blanco o angloamericano. A pesar de esta popular representación, consolidada por todos los medios de comunicación populares en los Estados Unidos, hubo muchos vaqueros negros, mexicanos y americanos nativos. La canción “Home on the Range,” fue grabada de la interpretación de un músico anónimo negro en Texas por un coleccionista de canciones americano Alan Lomax (1945). Esta canción pertenece a las canciones de vaqueros negros y canciones folclóricas que han sido subsumidas en la música nacional de los Estados Unidos a la vez que se borraban sus raíces negras (Flemons 2018).

“Polly Ann’s Hammer” por Our Native Daughters

"Polly Ann's Hammer" fue compuesta por Amythyst Kiah y Allison Russell para el álbum que Our Native Daughters publicó en 2019 con el sello Smithsonian Folkways.Aunque algunas pistas de este álbum son reinterpretadas y revividas de canciones negras que se transcribieron tan temprano como en los años 1700, las integrantes del grupo Our Native Daughters han compuesto canciones originales como “Polly Ann’s Hammer” para honrar y conmemorar a los personajes históricos negros en los Estados Unidos Americanos quienes han sido frecuentemente ignorados. En el caso de esta pista, Kiah y Russell escribieron sobre la fortaleza de Polly Ann Henry quien anteriormente a 2019, ha sido solamente mencionada en algunos versos de canciones en relación a su esposo John Henry (Nelson 2006).

“El Relámpago” por el Mariachi Herencia de México

El Mariachi Herencia de México es un conjunto comunitario de Chicago nominado por los premios Latin GRAMMY. Son un ejemplo sobresaliente de la forma en que las escuelas y los conjuntos comunitarios de jóvenes por todo los Estados Unidos han invertido en la fundación de programas estudiantiles de alto perfil que se enfocan en la música mexicana. “El Relámpago” fue lanzado en su álbum debut. Esta pista es un arreglo de una canción de mariachi estándar representativa de un género de sones tradicionales (canciones polimétricas y polirítmicas) que son comunes en la zona central y occidental de México.

“He Aloha Nō 'O Honolulu” compuesta por Lot Kauwe e interpretada por el Trío Kahauana Lake

Lot Kauwe fue un cantante, compositor de canciones, y maestro reconocido quien escribió canciones en el idioma hawaiano a principios de los años 1900. Su canción “He Aloha Nō 'O Honolulu” usa metáforas, doble significados y poemas convencionales hawaianos para cantar al amor y a las islas de Hawái (Huapala 1997; Honolulu Advertiser 1922:7). Kahauanu Lake o “Uncle K”fue un académico, historiador, compositor y músico hawaiano aclamado por tocar el ukulele con su mano izquierda. Formó el Trío Kahauana Lake con el bajista Tommy Lake (su hermano) y el guitarrista Al Machida. La música de Kahauana Lake tuvo influencia en la creación de un estilo hawaiano contemporáneo. Durante el segundo Movimiento del Renacimiento Hawaiano en los años 1960 y 1970, Lake, sus compañeros de banda, y Ma’iki Aiu Lake— un eminente danzante de hula, un maestro y su esposa – inspiraron a una nueva generación de danzantes y músicos de hula hawaiana quienes se resistieron al colonialismo y al imperialismo americano por medio de la promoción de la música y la danza tradicional hawaiana, así como por medio del canto de música contemporánea en el idioma hawaiano (Hula Records 2013; Stillman 1982:49-50).

Sanjuanitos: Carabuela/por el Valle Voy/Pobre Corazón/Carnaval de Guaranda interpretadas por Roberto Zumba

Roberto Zumba es reconocido como uno de los cantantes fundadores de la música popular de Ecuador conocida como rocolera (Wong 2012). Durante el curso de su carrera, Zumba y sus contemporáneos cambiaron sus estilos de canto para reflejar los discursos de la música nacional de Ecuador. Por medio de la música, participaron en conversaciones nacionales sobre identidad racial, etnicidad, clases sociales y las diferencias en las perspectivas generacionales en referencia a lo que significa ser ecuatoriano. El popurrí de sanjuanitos de Zumba recoge estilos musicales indígenas andinos y se reinterpreta en estilo de música chicha, con sintetizadores y tambores electrónicos. Los ecuatorianos de la clase trabajadora empezaron a acoger esta música como un estilo musical nacional después de los años 1980, pero las clases medias y altas también celebran algunas canciones de sanjuanito como “Pobre Corazón,” como un símbolo nacional (se escucha entre 5:05 hasta 6:32 en esta grabación).

En las Estepas de Asia Central por Alexander Borodin

Borodin pertenecía al conjunto de compositores rusos, conocidos como los Cinco Poderosos, quienes buscaban crear lo que percibían como el verdaderamente sonido “ruso” a finales del siglo XIX. Borodin buscaba pintar un escenario usando el sonido, al conectar la música con la geografía – en este caso de los territorios de Asia Central que Rusia había ocupado recientemente en un clima de imperialismo europeo. La pieza toma del exotismo musical, o la representación de otros pueblos y lugares distantes del compositor (Locke 2011).

“Sastanàqqàm” por Tinariwen

Los Tuareg que residen en el noroeste de África conforman un grupo étnico con un idioma y una cultura común, pero quienes actualmente no poseen su propio estado-nación. La música proporciona un medio para crear un sentido de nación entre las comunidades Tuareg que residen en varios y diferentes estados-nación en el noroeste de África. La guitarra electrónica se ha convertido en un instrumento particularmente simbólico entre los Tuareg desde los años 1990 (Backer 2015; Schmidt 2018).

“Regocijo” por Liu Mingyuan (1958)

Esta pieza orquestal china de 1958 presenta temas de música folclórica en un formato orquestal. El estilo de la orquesta china moderna, abreviada como MCO por sus siglas en inglés, integra un rango de instrumentos chinos tradicionales que históricamente se han tocado en conjuntos de seda y bambú (si1zhu2 o 丝竹) en casas de té. El estilo de la orquestra china moderna tomó su formato actual en los años 1950 como una extensión de los esfuerzos del gobierno para promover una herencia china compartida y la prevalencia de las ideas de modernización (Kuo-Huang and Gray 1979:17).

“La Primera Casa en Connaught/El Baile de Carretes de Chapa de Cobre” por Séamus Ennis

Este reel o baile de carrete – una forma de danza tradicional irlandesa en un compás de métrica doble y rápido – pertenece a esas piezas recopiladas e interpretadas por Séamus Ennis. Ennis recopiló miles de melodías irlandesas y las interpretó en la gaita de codo (uilleann) que aparece en este ejemplo. Ennis recopiló música por toda Irlanda para la Comisión de Folclor Irlandés que, como fue el caso en muchos proyectos nacionales, vio su papel para recopilar y preservar la música tradicional irlandesa (Carolan 2001; National Folklore Collection 2022).

Nuestro agradecimiento a Yuxin Mei y Eric Schmidt por sus contribuciones a estos comentarios.

References cited

Agawu, Kofi. 2003. Representing African Music: Postcolonial Notes, Queries, Positions. New York: Routledge.

Anderson, Keith. 1988. Liner Notes. Dvořák Slavonic Dances [CD] Unterhaching-München: Naxos 8.550143.

Backer, Sam. 2015. “Tuareg Rock.” Africa is a Country, March 27. Accessed February 18, 2022. https://africasacountry.com/2015/03/the-unexpected-popularity-of-dire-straits-in-north-african-tuareg-communities.

Carolan, Nicholas. 2001. “Ennis, Seamus.” In Oxford Music Online. Accessed February 18, 2022.

​​Einarsdóttir, Áslaug, and Valdimar Hafstein. 2018. The Flight of the Condor: A Letter, a Song and the Story of Intangible Cultural Heritage. Bloomington: Indiana University Press. Film. http://flightofthecondorfilm.com.

Flemons, Dom. 2018. Liner Notes. Dom Flemons presents Black Cowboys [CD]. Washington, D.C.: Smithsonian Folkways Recording SFW CD 40224. https://folkways.si.edu/dom-flemons/black-cowboys.

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Wong, Ketty. 2012. Whose National Music?: Identity, Mestizaje, and Migration in Ecuador. Philadelphia: Temple University Press