Esta es una selección musical con comentarios del tema de música y nacionalismo. Puede usarla para acompañar el artículo “Música y Nacionalismo” de World Music Textbook. Estas piezas están disponibles a través de las plataformas de música, pero están compiladas en una lista de Spotify para su conveniencia aquí e insertadas más abajo.

Ocho Danzas Eslavas Op. 46: No 1 en C (Presto) por Antonín Dvořák

Esta danza de Dvořák pertenece al estilo de música folclórica. A pesar del folclor que invoca, sin embargo, Dvořák compuso las melodías él mismo. Este ejemplo tiene la forma de una danza conocida como 

, la cual es una danza rápida en un compás triple conocida comúnmente en Europa del Este (Anderson 1988; Tyrrell 2001).

 de Chávez toma temas musicales de las comunidades indígenas de México y usa instrumentos de percusión de indígenas mesoamericanos. Compuesta a mediados de los años 1930, el compositor usa estrategias nacionalistas europeas que consisten en la integración de la música folclórica, aunque Chávez tenía una lejanía con las comunidades indígenas cuyas melodías él tomó prestadas. Esta estrategia en la composición refleja los modelos mexicanos de 

 que cooptan la cultura indígena para la construcción de proyectos nacionales.

“Pasacalle” por Daniel Alomías Robles

En 1913, el compositor peruano Daniel Alomías Robles compuso la música para la zarzuela (una forma de teatro musical español) 

 En la vena de otras obras peruanas musicales y teatrales en esa época, la pieza incautada en un estilo nacionalista hizo uso del indigenismo y los ideales del mestizaje, o mezcla cultural. El “Pasacalle” que emana de esta zarzuela se hizo popular como la canción “El Cóndor Pasa.” Aunque Robles no era indígena, su pieza musical se convirtió rápidamente en un símbolo prominente del indigenismo y nacionalismo peruano. Sin embargo, la canción ha sido cuestionada debido a que algunos han afirmado que la melodía se originó de las canciones indígenas que también eran populares en el vecino país Bolivia (Mejía 2014; ​​Einarsdóttir y Hafsdein 2018). La canción refleja las complejidades de las culturas que no encajan fácilmente en los límites nacionales y el legado de los estados que se apropian de las formas musicales para proyectos nacionalistas.

“Exploraciones: Estructuras Hi-Life” por la Orquesta Pan African

Aunque tiene su base en Ghana, la Orquesta Pan Africana interpreta instrumentos de toda África. Kofi Agawu señala que la música que la Orquesta Pan Africana interpreta frecuentemente se clasifica como tradicional por los oyentes aun cuando las piezas musicales que se tocan se han compuesto recientemente (2003:19). Esta malentendido habla de algunos de los desafíos que surgen del pensamiento que constituye una “tradición”.

“Oh! Susanna” interpretada por la Segunda Banda de Cuerdas de Carolina del Sur

Entre el gran número de canciones estadounidenses que Stephen Foster compuso, “Oh! Susanna” fue popularizada a través de los minstrel shows – o un género musical-teatral de espectáculos de juglaría que eran satíricos y basándose en estereotipos negativos y exagerados de la población negra –por todo los Estados Unidos a mediados del siglo XIX (Root 2013). Esta versión es interpretada por la Segunda Banda de Cuerdas de Carolina del Sur, un grupo de recreadores de la Guerra Civil quienes interpretan canciones populares de la era de la Guerra Civil. En los años 1920, el magnate de la industria automovilística, Henry Ford invirtió en la preservación de la casa del compositor y en la promoción de las canciones de Foster junto con otros compositores que él consideraba representativos de la herencia musical anglosajona del país. Como simpatizante de los nazis, buscó distribuir y promover música de las áreas rurales que él veía como superior culturalmente y moralmente en comparación con otra música popular (Warnock 2009). La historia de esta canción y otras con raíces en los minstrel shows han vuelto a estar bajo el escrutinio en lugares como salones de clase, en donde los ideales de inclusividad enfrentan cada vez más historias de música racista.

“Home on the Range” interpretada por Dom Flemons

Descansando sentado alrededor de la fogata, la película del Western americano

 (1946), muestra al actor Ken Curtis entonando la canción “Home on the Range.” Entre las canciones que más se asocian con la cultura del vaquero, esa canción invoca el emblema del vaquero americano quintaesencial actual – un personaje quien casi siempre se representa como blanco o angloamericano. A pesar de esta popular representación, consolidada por todos los medios de comunicación populares en los Estados Unidos, hubo muchos vaqueros negros, mexicanos y americanos nativos. La canción “Home on the Range,” fue grabada de la interpretación de un músico anónimo negro en Texas por un coleccionista de canciones americano Alan Lomax (1945). Esta canción pertenece a las canciones de vaqueros negros y canciones folclóricas que han sido subsumidas en la música nacional de los Estados Unidos a la vez que se borraban sus raíces negras (Flemons 2018).

“Polly Ann’s Hammer” por Our Native Daughters

"Polly Ann's Hammer" fue compuesta por Amythyst Kiah y Allison Russell para el álbum que Our Native Daughters publicó en 2019 con el sello Smithsonian Folkways.Aunque algunas pistas de este álbum son reinterpretadas y revividas de canciones negras que se transcribieron tan temprano como en los años 1700, las integrantes del grupo Our Native Daughters han compuesto canciones originales como “Polly Ann’s Hammer” para honrar y conmemorar a los personajes históricos negros en los Estados Unidos Americanos quienes han sido frecuentemente ignorados. En el caso de esta pista, Kiah y Russell escribieron sobre la fortaleza de Polly Ann Henry quien anteriormente a 2019, ha sido solamente mencionada en algunos versos de canciones en relación a su esposo John Henry (Nelson 2006).

“El Relámpago” por el Mariachi Herencia de México

El Mariachi Herencia de México es un conjunto comunitario de Chicago nominado por los premios Latin GRAMMY. Son un ejemplo sobresaliente de la forma en que las escuelas y los conjuntos comunitarios de jóvenes por todo los Estados Unidos han invertido en la fundación de programas estudiantiles de alto perfil que se enfocan en la música mexicana. “El Relámpago” fue lanzado en su álbum debut. Esta pista es un arreglo de una canción de mariachi estándar representativa de un género de sones tradicionales (canciones polimétricas y polirítmicas) que son comunes en la zona central y occidental de México.

“He Aloha Nō 'O Honolulu” compuesta por Lot Kauwe e interpretada por el Trío Kahauana Lake

Lot Kauwe fue un cantante, compositor de canciones, y maestro reconocido quien escribió canciones en el idioma hawaiano a principios de los años 1900. Su canción “He Aloha Nō 'O Honolulu” usa metáforas, doble significados y poemas convencionales hawaianos para cantar al amor y a las islas de Hawái (Huapala 1997; Honolulu Advertiser 1922:7). Kahauanu Lake o “Uncle K”fue un académico, historiador, compositor y músico hawaiano aclamado por tocar el ukulele con su mano izquierda. Formó el Trío Kahauana Lake con el bajista Tommy Lake (su hermano) y el guitarrista Al Machida. La música de Kahauana Lake tuvo influencia en la creación de un estilo hawaiano contemporáneo. Durante el segundo Movimiento del Renacimiento Hawaiano en los años 1960 y 1970, Lake, sus compañeros de banda, y Ma’iki Aiu Lake— un eminente danzante de hula, un maestro y su esposa – inspiraron a una nueva generación de danzantes y músicos de hula hawaiana quienes se resistieron al colonialismo y al imperialismo americano por medio de la promoción de la música y la danza tradicional hawaiana, así como por medio del canto de música contemporánea en el idioma hawaiano (Hula Records 2013; Stillman 1982:49-50).

Sanjuanitos: Carabuela/por el Valle Voy/Pobre Corazón/Carnaval de Guaranda interpretadas por Roberto Zumba

Roberto Zumba es reconocido como uno de los cantantes fundadores de la música popular de Ecuador conocida como 

(Wong 2012). Durante el curso de su carrera, Zumba y sus contemporáneos cambiaron sus estilos de canto para reflejar los discursos de la música nacional de Ecuador. Por medio de la música, participaron en conversaciones nacionales sobre identidad racial, etnicidad, clases sociales y las diferencias en las perspectivas generacionales en referencia a lo que significa ser ecuatoriano. El popurrí de sanjuanitos de Zumba recoge estilos musicales indígenas andinos y se reinterpreta en estilo de música chicha, con sintetizadores y tambores electrónicos. Los ecuatorianos de la clase trabajadora empezaron a acoger esta música como un estilo musical nacional después de los años 1980, pero las clases medias y altas también celebran algunas canciones de sanjuanito como “Pobre Corazón,” como un símbolo nacional (se escucha entre 5:05 hasta 6:32 en esta grabación).

Borodin pertenecía al conjunto de compositores rusos, conocidos como los Cinco Poderosos, quienes buscaban crear lo que percibían como el verdaderamente sonido “ruso” a finales del siglo XIX. Borodin buscaba pintar un escenario usando el sonido, al conectar la música con la geografía – en este caso de los territorios de Asia Central que Rusia había ocupado recientemente en un clima de imperialismo europeo. La pieza toma del exotismo musical, o la representación de otros pueblos y lugares distantes del compositor (Locke 2011).

Los Tuareg que residen en el noroeste de África conforman un grupo étnico con un idioma y una cultura común, pero quienes actualmente no poseen su propio estado-nación. La música proporciona un medio para crear un sentido de nación entre las comunidades Tuareg que residen en varios y diferentes estados-nación en el noroeste de África. La guitarra electrónica se ha convertido en un instrumento particularmente simbólico entre los Tuareg desde los años 1990 (Backer 2015; Schmidt 2018).

Esta pieza orquestal china de 1958 presenta temas de música folclórica en un formato orquestal. El estilo de la orquesta china moderna, abreviada como MCO por sus siglas en inglés, integra un rango de instrumentos chinos tradicionales que históricamente se han tocado en conjuntos de seda y bambú (si1zhu2 o 丝竹) en casas de té. El estilo de la orquestra china moderna tomó su formato actual en los años 1950 como una extensión de los esfuerzos del gobierno para promover una herencia china compartida y la prevalencia de las ideas de modernización (Kuo-Huang and Gray 1979:17).

“La Primera Casa en Connaught/El Baile de Carretes de Chapa de Cobre” por Séamus Ennis

Este reel o baile de carrete – una forma de danza tradicional irlandesa en un compás de métrica doble y rápido – pertenece a esas piezas recopiladas e interpretadas por Séamus Ennis. Ennis recopiló miles de melodías irlandesas y las interpretó en la gaita de codo (uilleann) que aparece en este ejemplo. Ennis recopiló música por toda Irlanda para la Comisión de Folclor Irlandés que, como fue el caso en muchos proyectos nacionales, vio su papel para recopilar y preservar la música tradicional irlandesa (Carolan 2001; National Folklore Collection 2022).

Nuestro agradecimiento a Yuxin Mei y Eric Schmidt por sus contribuciones a estos comentarios.

Representing African Music: Postcolonial Notes, Queries, Positions

 [CD] Unterhaching-München: Naxos 8.550143.

https://africasacountry.com/2015/03/the-unexpected-popularity-of-dire-straits-in-north-african-tuareg-communities

Carolan, Nicholas. 2001. “Ennis, Seamus.” In 

​​Einarsdóttir, Áslaug, and Valdimar Hafstein. 2018. The Flight of the Condor: A Letter, a Song and the Story of Intangible Cultural Heritage. Bloomington: Indiana University Press. Film. 

 [CD]. Washington, D.C.: Smithsonian Folkways Recording SFW CD 40224. 

https://folkways.si.edu/dom-flemons/black-cowboys

Honolulu Advertiser, The. 1922. “Lot Kauwe Dies; Was Noted Singer.” In 

, 7, July 16. Accessed February 14, 2022. 

https://www.newspapers.com/clip/27904443/1922-lot-kauwe-obituary

 1997. “He Aloha Nō ʻO Honolulu (Goodbye to Honolulu).” Accessed February 14, 2022. 

http://www.huapala.org/Hea/Healoha\_No\_Honolulu.html.

Hula Records. 2013. “Hawaiian Icon, Musician Kahauanu Lake Dies.” Accessed February 14, 2022 

http://hularecords.com/\_clientData/\_ao\_Ecom/obit2.html

Kuo-Huang, Han, and Judith Gray. 1979. “The Modern Chinese Orchestra.” 

Lomax, John A. 1945. “Half-Million Dollar Song: Origin of ‘Home on the Range.’” 

Mejía, Luis Salazar. 2014. “El Cóndor Pasa... y Sus Misterios.” 

Revista de Crítica Literaria Latinoamericana

National Folklore Collection. 2022. “About.” Accessed February 2, 2022. 

Steel Drivin’ Man: John Henry, the Untold Story of an American Legend

Root, Deane L. 2013. “Foster, Stephen C(ollins).” In 

Schmidt, Eric. 2018. “Rhythms of Value: Tuareg Music and Capitalist Reckonings in Niger.” PhD dissertation, University of California, Los Angeles.

Stillman, Amy Ku’uleialoha. 1982. “The Hula Ku’i: A Tradition in Hawaiian Music and Dance.” M.A. thesis, University of Hawai’i at Manoa.

Warnock, Emery C. “The Anti-Semitic Origins of Henry Ford’s Arts Education Patronage.” 

Journal of Historical Research in Music Education

Whose National Music?: Identity, Mestizaje, and Migration in Ecuador

Esta es una selección musical sobre el tema del nacionalismo y la música. Puede usarse para acompañar el artículo “Música y Nacionalismo” de World Music Textbook.

Música y Nacionalismo: Selección de Música con Comentarios

El concepto de que los pueblos, los territorios y las culturas se dividen en naciones, las cuales constituyen un componente central de la identidad de los ciudadanos.

El concepto moderno del nacionalismo se desarrolló en Europa Occidental durante el ambiente revolucionario a finales del siglo XVIII. 

Durante esta época, el estado-nación se convirtió cada vez más en el elemento central para definir los territorios y los pueblos que los habitaban.

El nacionalismo busca homogeneizar y unificar a aquellos individuos que habitan un territorio, frecuentemente antagonizando a individuos que no se ajustan a las expectativas sociopolíticas y culturales dentro de sus fronteras y que, por lo tanto, son considerados una amenaza a la unidad dentro de la percepción de la identidad nacional.

Los movimientos nacionalistas durante el siglo XIX buscaban crear y promover música con el fin de reflejar el ideal de la nación deseada. Este imperativo surgió a medida que las naciones europeas continuaban definiéndose en contraste con otras naciones y el creciente número de colonias. Los compositores nacionalistas europeos emplearon frecuentemente rasgos melódicos y rítmicos considerados particularmente indicativos de estilos nacionales. Dado que la música es un medio simbólico, el significado de estos ritmos y de estas melodías se estableció culturalmente: los propios oyentes y compositores se educaban para escuchar ciertas características como nacionalistas, desarrollando dichos elementos como símbolos de nacionalismo (Beckerman 1986:73). Muchos compositores nacionalistas durante los siglos XIX y XX hasta el día presente tomaron del folclor cultural y la música de todos los territorios y pueblos subsumidos en naciones. Estas colecciones folclóricas se presentan como una herencia nacional compartida o cultura folclórica nacionalista. En muchos casos, estos proyectos pretendían “salvar” o “preservar” la cultura, a menudo anotando versiones de tradiciones orales y convirtiéndolas en forma escrita, cementándolas efectivamente en una única versión oficial. Los libros de música y los medios de comunicación como la radio, las grabaciones y las películas, ayudaban a propagar una cultura nacional compartida que buscaba cultivar la identidad nacional como una fuerza dominante en la vida de los ciudadanos (véase Anderson 1983; Boyes 2010).

En territorios que fueron colonias, el nacionalismo refleja una combinación complicada tanto de liberación como de la continuación de las estructuras coloniales de poder. Con el advenimiento de los movimientos de independencia, los territorios que previamente eran colonias de naciones europeas han buscado crear su propia identidad nacional, incluida una identidad musical. Para ello, siguiendo el modelo de las naciones europeas que se basan en la cultura del “pueblo imaginado,” o en las comunidades consideradas como preservadoras de los estratos más antiguos de la cultura, muchos países se han apropiado de esta música como una fuente de patrimonio musical nacional. 

En países como México, Perú y Ecuador, la música de las comunidades indígenas – muchas de las cuales permanecen cautelosas con los gobiernos estatales debido a la historia de genocidio—ha sido cooptada en los proyectos de construcción nacional del indigenismo en el siglo XX.

Un ejemplo famoso es “El Cóndor Pasa”, una pieza extraída de la zarzuela (opereta) del mismo título, compuesta por el compositor y etnomusicólogo peruano Daniel Alomía Robles en 1913. Esfuerzos similares se han llevado a cabo en los países africanos en donde las organizaciones gubernamentales han estado a cargo de funciones significativas en el diseño de una cultura nacional compartida en la segunda mitad del siglo XX, cuando muchas naciones africanas obtuvieron su independencia. En países como Ghana, las organizaciones gubernamentales han apoyado las presentaciones de diferentes grupos étnicos que representan las culturas a través de sus territorios (Agawu 2003:19). Estos esfuerzos enfrentan los desafíos de la representación: ¿Qué tipo de música representa a las naciones constituidas por diversas comunidades, que frecuentemente hablan muchos idiomas diferentes? ¿Quién tiene el poder de decidir?

Estados coloniales de asentamiento – aquellos cuya población dominante desciende de colonizadores que oprimieron a las comunidades indígenas mediante actos de genocidio, despojo sistemático de territorios y represión cultural – también han utilizado la música para definirse a sí mismos. En dichos estados-nación o colonias de asentamiento, incluyendo a Estados Unidos, Canadá, Australia y Sudáfrica, se pueden reconocer algunas diferencias entre los grupos de personas cuando estas diferencias no desafían la retórica nacionalista. Sin embargo, generalmente exigen la asimilación y simultáneamente dependen de la pérdida de territorios, idiomas y prácticas culturales de las sociedades nativas (Simpson 2014; Wolfe 2006).

Figuras políticas y socialeshan exhibido – y en varios casos, han tergiversado – los estilos musicales y las danzas que, según ellos, deberían celebrarse como “raíces” musicales que representan su idea de nación. Por ejemplo, la música 

 de los Apalaches en Estados Unidos, se ha descrito mayoritariamente como música angloamericana y euroamericana; las raíces africanas y negras de estos estilos musicales fueron minimizadas y borradas intencionalmente, en parte mediante los esfuerzos de angloamericanos adinerados como Henry Ford (véase Brucher 2016).

Entonces, ¿en qué forma responden las comunidades y los músicos a naciones e ideas de estilos musicales nacionales cuando los propios músicos frecuentemente se encuentran sistemáticamente excluidos? En algunos casos, la gente presiona por inclusión y reconocimiento, encontrando espacios para que las identidades marginadas se vean y se escuchen como parte de un patrimonio nacional. Este enfoque se podría observar cuando la letra de un himno nacional incluye varios idiomas; por ejemplo, Sudáfrica modificó su himno nacional tras el 

 con el fin de reflejar los ideales inclusivos de una nueva era (véase el ejemplo a continuación). La investigación y el estudio académico también han desempeñado un papel importante en la rectificación de las historias que han marginado a las comunidades (véase Hay 2003; Flemons 2018; Our Native Daughters 2019). Otro ejemplo es la música mariachi, la cual se ha adoptado como representante de las culturas mexicanas y latinoamericanas en Estados Unidos y en el currículo musical de las escuelas públicas. Al mismo tiempo, también se puede entender como un elemento vital de las tradiciones musicales en Estados Unidos dada su significancia dentro de la actualidad (véase Salazar 2011; Sheehy 2006).

En otros casos, varios grupos socioeconómicos de diversas razas y etnias dentro de una nación podrían disentir, redefinir o crear sus propias definiciones de su música nacional (Wong 2012). Si bien se puede asumir que ser parte de una nación es o debería ser un objetivo final para quienes son marginados y buscan los beneficios de una ciudadanía, existen contextos en los cuales podría preferirse rechazar la membresía de una nación con el fin de abogar por la soberanía de otro grupo identitario. La música, junto con otras prácticas de identidad cultural como el idioma y la danza, ha sido frecuentemente crucial para que los pueblos resistan o rechacen una identidad nacionalista durante los siglos XX y XXI, como es el caso de las canciones de protesta durante el Segundo Movimiento del Renacimiento Hawaiano y el renovado interés en el idioma, canto y danza hawaianas (Lewis 1987; Stillman 1995:4-5).

En resumen, aunque el nacionalismo en su forma actual es un fenómeno relativamente reciente que comenzó entre las naciones coloniales europeas, hoy en día el nacionalismo estructura las presunciones sobre cómo se organizan los seres humanos, las culturas y la música. Si bien la música puede crear afinidad en las naciones, el nacionalismo musical lo logra excluyendo a otros – frecuentemente borrando a las comunidades y sus prácticas.

una lista de reproducción auditiva que incluye comentarios

En el párrafo anterior, se menciona que los proyecto folclóricos “pretendían ‘salvar’ o ‘preservar’ la cultura, frecuentemente al documentar o cementar versiones de las tradiciones orales en forma escrita.” Sin embargo, en muchos casos existen múltiples versiones de las canciones, lo que implica que se deben tomar decisiones sobre cuáles versiones preservar o designar como “oficiales” para su publicación. ¿Qué problemas podrían surgir de este proceso: ¿Quién debería tomar estas decisiones en cuanto a cuáles canciones cumplen con los cánones de la música folclórica y cuáles deberían excluirse? ¿Cuáles serían algunas de las consecuencias de estas decisiones?

¿Existen pueblos que pueden reclamar una identidad o pertenencia a una nación o grupo político aún si no se les reconoce como miembros de dicha nación o grupo político? ¿Por qué sí o por qué no? ¿Cuáles son algunos de los problemas de identidad que surgen cuando alguien reclama una pertenencia que puede o no ser reconocida por un grupo más poderoso? ¿En qué forma impactan estas discrepancias en la interpretación musical?

Haga una lista de los derechos o beneficios que se otorgan a quien sea capaz de reclamar una ciudadanía a un estado-nación. Luego consideres que es lo que está en riesgo para alguien a quien se le niega la ciudadanía.

Realice una búsqueda en internet usando un buscador web o una base de datos como JSTOR para adquirir información sobre el plurinacionalismo. Encuentre un ejemplo de la forma en que se practica en un estado-nación o país específico. ¿Cuáles son algunos de los desafíos sociales de esta estructura política? ¿Cómo se relaciona la música a las formas en que se representa este estado plurinacional?

Este artículo ofrece una visión general del nacionalismo en contextos musicales. 

Música y Nacionalismo

Following the path of a sacred musical practice into the public sphere, this chapter explores the relationships between regional identity, nationalism, and the media.

Part One

Part Two

Mediated Sufi Singing and its Popularization in Pakistan’s National Culture in the Founding Years (1947-1979)

This chapter explores early 20th century efforts to distance the banjo from its African American roots to meet the demands of a rising market of women players, highlighting actress Lotta Crabtree's influential role in reshaping the instrument's identity.


Pickin’ In Petticoats: Lotta Crabtree and Women In the Elevation of the Banjo

 is a new collaborative effort to create a free and broadly accessible resource for the general public, educators, students, and researchers alike. Its open collections of scholarly, peer-reviewed writing and multimedia materials focus on increasing access to underrepresented voices, writing styles, and audiences, all with undergraduate students and a broad readership in mind.

An online and open resource for teaching and learning ethnomusicology and musicology 

World Music

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​We are excited to announce the addition of new teaching materials to the World Music Textbook! These open resources include asynchronous modules, in-class lesson plans with activities, discussion ideas, assignments, and ideas designed to complement and enrich our existing chapters and case studies. While not exhaustive, they offer valuable tools to inspire and guide instruction.​

Additionally, we now offer a full sample course shell that utilizes the World Music Textbook. Instructors can link directly to these pages, adapt them to fit their needs, or make use of Canvas shell modules, which we are currently working on and will be available soon.​

This is part of our ongoing effort to make the 

 as accessible, adaptable, and instructor-friendly as possible. By sharing practical, classroom-tested resources and providing customizable materials, we hope to streamline course preparation and enhance teaching experiences. Your feedback is invaluable in this process—please reach out if you have suggestions or resources you'd like to share.

A full course shell, in-class activities, and other materials to help instructors considering adoption

New Teaching Materials using the World Music Textbook

We're excited to share that the editors of the World Music Textbook will be presenting a workshop at the upcoming 

, titled "From the Exotic to the Global: Perspectives and Reflections on Teaching World Music in the 21st Century." This event will take place from April 8-11, 2025, at Northern Illinois University (NIU) in DeKalb, Illinois. 

Our workshop will focus on the collaborative efforts involved in creating the 

, a free and accessible resource designed for educators, students, researchers, and the general public. We will discuss our strategies for increasing access to underrepresented voices and diverse writing styles, as we aim to broaden the audience for world music scholarship. 

The symposium will provide a platform for music educators, ethnomusicologists, musicologists, composers, performers, and interdisciplinary scholars to exchange innovative ideas about globalization in music practices in the 21st century.​ Please consider joining us to connect with fellow educators! For more details about the symposium, please 

We'll be sharing our project and some updates at a workshop outside of Chicago this April!

WMT at the Teaching World Music Symposium

We are pleased to share that we have been able to increase the honorarium funding available to authors who submit and publish on the World Music Textbook to $500 per piece. Our hope is that this will boost our submissions and fuel our growth as the project enters a new era. See the 

 and contact us at editors@worldmusictextbook.org with any ideas for contributions!

Increased Honorarium Funding Available

We are pleased to share the launch of our updated and streamlined website. Improvements include better functionality for phones and other devices, as well as a new look as we bring our project out of its fledgling state. 

 project, we have been focused on exploring best practices while carving a pathway toward sustainability. We knew that we wanted more flexibility than what most platforms offer, so we started building the site from scratch using familiar technologies that let us get running quickly. The site we are launching today is brand new, another build from scratch, but one that uses modern tooling and provides us with extraordinary flexibility to grow.

A blog-like news section that makes online sharing and social media updates more consistent and cohesive;

And a hosted server—which we can use for improved control of our content, mailing lists, and other things that you don't necessarily see—that we can expand in the future for potential features like custom 

The site is built on open technologies and run using free services. All are standards in modern web development and well documented. The rest of this post includes technical details about our change for anyone who might be interested or considering a similar open project.

In building a fully custom site that does what we need, we made use of a host of technologies. With so many options, it can be difficult to know where to start. As we move to version 2, here is an outline of what we are using. If you have questions or want to talk about how these (or other) approaches can help make your project idea happen, reach out to us at 

Knowing that websites can come and go, we wanted to ensure that contributions to this one are properly archived and accessible forever. The standard way to handle this is using DOI records, but these can require expensive memberships. To keep everything free (an important part of project sustainability), we host our PDF files through 

Bowling Green State University's library system

. With the push toward open educational resources, many libraries can offer use of their DOI access, it is worth asking library staff about potential options.

We wanted full control over what our site could be and do, which meant that standard no- or low-code site generators like WordPress were not flexible enough for our needs. Many also charge fees for hosting and ad-free sites. We opted to build the site using standard web development tools. Our first version used 

, which serves the purpose well. It builds 

 from easy-to-edit markdown files and allows developers to customize themes more easily than systems like WordPress.

, a library that offers a number of benefits, in part because it is based on React, an industry standard for web development. Among other things like faster load times, Next.js combines the benefits of static site generation with an API system for server-sided work. Right now, we use this to improve our mailing list signup and other simple tasks, but it opens possibilities related to site users being able to log in and save their work. Think building custom 

 course schedules and reading lists or saving online course content and integrating it with resources from within and outside of this project.

All of these are free and open code libraries. We store our code in open repositories at 

. Each of these has free or free-for-education tiers. Most importantly for our goal of sustainability, however, is that if the pricing were to change, this is all just code with no vendor lock in: we can change services with minimal trouble. On the downside, this kind of distributed system requires a great deal more web development knowledge than fully integrated services like WordPress.

One reason for our recent change from Jekyll to Next.js is content management. We previously had to hand-code and update any new material. The new site integrates into a content management system (CMS) called 

. This is another open source project with a free community tier and it allows for any of our editors to easily add and edit any of the text on the site. It's also impressively customizable and has been a pleasure to learn and use so far.

That's all on the digital side. We use Pandoc with LaTeX to create print journal-quality PDF files of every contribution. 

You can see our templates and processes in this repository on GitLab.

Other stuff that we're trying out includes 

 for educators for our own internal record keeping; 

 for very basic analytics that don't collect any identifiable personal data; and Discord for communication and custom bots that notify us when you sign up for the mailing list, suggest a resource, and so on.

Taken together, this collection of tools and services has afforded us a free, open, flexible, and powerful way to collaborate and build a dependable and sustainable 

. If you have any comments, suggestions, or questions—or you are considering creating an open resource and just want to toss some ideas around—let us know! And, of course, if you want to be a part of this work, 

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